La serie di nuovi cataloghi realizzati da hopefulmonster per la GAM, continua, dopo la monografia dedicata all’artista Eva Marisaldi, con la pubblicazione del volume Vedovamazzei in occasione della mostra allestita alla GAM dal 7 ottobre 2004 al 6 gennaio 2005.

Il catalogo si apre con le immagini delle opere esposte in mostra, per ripercorrere poi i lavori dei due artisti dai più recenti fino agli esordi negli anni novanta: installazioni, fotografie, disegni e numerosi acquarelli compongono la produzione artistica di Stella Scala e Simeone Crispino. Due testi critici, uno di Giacinto Di Pietrantonio l’altro di Charlotte Laubard, accompagnano le immagini per approfondire i temi dell’arte di Vedovamazzei.

“Le opere, in maggioranza, ostentano una certa familiarità con la realtà ed esercitano a prima vista una certa seduzione, mescolando umorismo e senso del melodrammatico, esse sembrano volere sfuggire a tutti i costi alla loro interpretazione. […] Luminosa e temeraria, eroica e insolente, l’opera di Vedovamazzei affronta la violenza del visibile a occhi ben aperti. Il loro sguardo non teme né il sole, né la morte.” (Charlotte Laubard)

In occasione delle mostre allestite presso il Kunstmuseum Winterthur (6 settembre - 23 novembre 2003) e presso la Barbara Gladstone Gallery di New York (24 gennaio - 21 febbraio 2004), è stato pubblicato questo volume, una raccolta di disegni realizzati da Marisa Merz tra il 2003 e il 2004.

“Quarantatré figure su carta bianca, prive di contorni, semplice bagliore delicato che si concentra sulla superficie per poi svanire – niente tratti, solo un’ombra. I disegni si focalizzano sui lineamenti di un viso: si distinguono parti di occhi e bocca, punti di riferimento che invece di appartenere a una persona occupano lo spazio – in modo non uniforme, sporadico, come uno stuolo di figure che si raccolgono, una moltitudine di esseri che si posano qua e là. […] una struttura semplice che nel lavoro di Marisa Merz ha conservato la validità nel corso degli anni, ricerca di una forma stabile nonostante la fragilità delle forme. Il gesto del disegno evoca il conflitto tra quesito e risoluzione che accompagna l’opera senza mai lasciarla”. (Dieter Schwarz)

Marisa Merz nasce a Torino e partecipa al fermento creativo che si coagula nel gruppo dell’Arte Povera esponendo al Deposito d’Arte Presente nel 1967 e alla rassegna Arte Povera + Azioni Povere ad Amalfi nel 1968. Oltre ad aver partecipato a diverse tra le più importanti mostre degli ultimi trent’anni, Marisa Merz è stata presente in molte edizioni della Biennale di Venezia, vincendo il Premio Speciale dell’edizione svoltasi nel 2001.

Il catalogo è pubblicato in occasione della mostra Non toccare la donna bianca. La liberazione delle diversità allestita presso la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino dal 17 settembre 2004 al 8 gennaio 2005. La mostra curata da Francesco Bonami vuole essere una riflessione sul ruolo artistico delle donne in una società modellata sull’identità maschile. Il volume, che costituisce il catalogo dell’esibizione, intende indagare questa realtà attraverso il linguaggio creativo di diciannove artiste le cui opere comprendono installazioni, disegni, video e fotografie, mescolando linguaggi eterogenei usati per interpretare il tema della libertà della donna artista nella cultura contemporanea.

Il volume è stato realizzato mantenendo l’impostazione creativa ideata appositamente dalle artiste che hanno interpretato le pagine a loro dedicate in modo autonomo ed originale: una serie di immagini si susseguono senza soluzione di continuità, in un vivace alternarsi che vede accostate le opere di artiste già conosciute come Shirin Neshat ad altre emergenti come Maja Bajevic.

Corredato dal testo del curatore della mostra Francesco Bonami e dalle schede delle opere con un’appendice bio-bibliografica, il catalogo propone un’originale lettura delle opere scelte di Micol Assaël, Maja Bajevic, Berlinde De Bruyckere, Marlene Dumas, Ellen Gallagher, Carmit Gil, Fernanda Gomes, Lyudmila Gorlova, Mona Hatoum, Michal Helfman, Emily Jacir, Koo Jeong-a, Daniela Kostova, Senga Nengudi, Shirin Neshat, Shirana Shahbazi, Valeska Soares, Nobuko Tsuchiya e Shen Yuan.

Il catalogo è pubblicato in occasione della mostra allestita dal 12 dicembre 2003 all’1 febbraio 2004 presso l’Accademia Albertina delle Belle Arti di Torino.

Paesaggi e figura alimentano la pittura di Piero Martina, insieme alla rappresentazione di interni, tra i quali l’atelier dell’artista che diviene l’oggetto primario della rappresentazione, non solo lo sfondo di ritratti e composizioni: Interno di studio con cappello e Nudo con paravento testimoniano l’indagine pittorica di Martina che vede come luogo elettivo lo studio, l’idea di uno spazio interno “fortemente contrapposto allo spazio pubblico dominato dalla retorica e dalla propaganda del regime, attraversato da parole d’ordine di giorno in giorno più discriminanti e aggressive.” (Maria Teresa Roberto). A questo stesso primo decennio (1932-1942) appartengono anche una serie di scatti fotografici eseguiti da Carlo Mollino nello studio del pittore, in un gioco speculare di rimandi tra fotografia e pittura. L’ultimo capitolo in catalogo illustra la produzione artistica di Martina compresa tra il ‘61 e il ‘77. L’idea della pittura concepita dall’artista torinese, del suo racconto di luoghi, persone e fatti, si realizza nelle vibrazioni, discordanze e tensioni tra i colori applicati sulle tele. La ricchezza di immagini presenti in questo volume permette di cogliere l’intero percorso creativo di Piero Martina, avvalendosi anche del contributo di una completa biobibliografia e di un’approfondita antologia della critica che raccoglie una ricca serie di testimonianze tra le quali emergono quelle di Carlo Levi, Sergio Solmi ed Eugenio Montale.

Il volume monografico è pubblicato in occasione della mostra Piero Fogliati, Poeta della luce allestita presso gli spazi espositivi dei Tendoni di Ponte Mosca a Torino dal 6 novembre 2003 all’11 gennaio 2004.
Il volume raccoglie la documentazione fotografica dei lavori realizzati da Piero Fogliati nella sua carriera artistica, suddivisi in tre grandi capitoli: luce, suono e disegni, avvalendosi del contributo di approfonditi saggi critici a cura di Piero Bianucci, Jasia Reichardt, Marisa Vescovo e Lara-Vinca Masini.
Sono riprodotte un centinaio di opere, corredate da puntuali schede biografiche redatte da Alessandro Trabucco.

“Le opere di Fogliati sono concepite come strumenti/macchina – oggetti senza una loro identità estetica forte, ma in compenso nemmeno casuali, perché costruiti dall’autore, con grande passione, pezzo per pezzo dalla vite all’interrutore – dalle quali fuoriescono fasci luminosi che sollecitano lo sguardo a esplorare la molteplicità delle relazioni che si possono intuire a partire dal loro tracciato, dalle vibrazioni che scaturiscono dal flusso energetico che si espande in flusso reale e virtuale.” (Marisa Vescovo)

Piero Fogliati (Torino 1930-2016), nella sua ricerca artistica utilizza processi di percezione inconsapevole. Opera nell’invisibile con suoni e luci. L’arte di Piero Fogliati utilizza principi scientifici in tutte le sue sculture e le sue installazioni e, più precisamente, studia ed impiega fenomeni della fisiologia e della psicologia della percezione.